Donald Fagen: One Dan Alone

When ingenious US rock musician Walter Becker passed away two weeks ago, he left his Steely Dan partner of fifty years behind.

When Donald Fagen released his fab solo debut The Nightfly in 1982, his record company put a dumb sticker on its cover, saying “Donald Fagen is STEELY DAN”. Quite annoyed about it, I pulled the sticker off and hid it on the inner sleeve till this day.

When I posted about that sticker on Twitter, a comment said, that Fagen and Becker did tell an anecdote about one of their roadies on tour, who thought Donald Fagen was called Steely Dan, so he named Fagen’s keyboards “Dan’s piano” and some more.

So it’s possible, that this seemingly not so clever slogan was some kind of Steely Dan’s absurd insider jokes, hard to understand for anyone not being Donald Fagen or his creative partner and friend Walter Becker. But who knows for sure?

After his co-genius Walter Becker died untimely two weeks ago, aged only 67, that slogan however is the sad truth. Donald Fagen now is STEELY DAN.

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Elvis Presley: The Day The King Of Rock ‘n’ Roll Died

August 16, 1977: The man on the radio said, that Elvis Presley has died.

At the time when I wrote a first shorter version of this story in German, I have been listening a lot to some older Bruce Springsteen songs originating from his 1977 and 1978 recording sessions for his fourth album Darkness on the Edge of Town. They all hadn’t been used for the original album und were collected in the box set The Promise: The Darkness on the Edge of Town Story released in 2010.

Bruce Springsteen’s sentimental crooning of “Come On (Let’s Go Tonight)” reminded me of the cold, rainy summer of 1977, when punk broke in the United Kingdom and Elvis Presley, the King of Rock’n’Roll, died on the other side of the Atlantic in Memphis, Tennessee at his Graceland mansion.

The protagonist in Bruce Springsteen’s song hears “the man on the radio” saying, that Elvis Presley has died today. That wasn’t only for him devastating news. The same goes for millions of people around the world, and it kind of shattered my life too.

I still remember the day Elvis Presley died like it happened yesterday. I had listened to the radio in my bedroom when I fell asleep and the gentle sound from the radio escorted my sleep through the night.

But then at the end of the night I suddenly woke up, was wide awake and heard the newsreader heralding the terrible news about the king of rock’n’roll. It was just like in Bruce Springsteen’s song: “Now the man on the radio said that Elvis Presley died…“ What a shock, giving me the creeps.

To be quite honest, I wasn’t the biggest Elvis Presley fan in the world then. As a pop music fan I was raised by The Beatles, The Rolling Stones, Slade or T. Rex.

But then I watched Elvis Presley’s worldwide satellite concert Aloha from Hawaii on our small black and white telly. Boy, what a blast! Excited I searched further. I read that John Lennon had said, that for him the world changed totally in 1956 with Elvis’ rock’n’roll big bang “Heartbreak Hotel” and that his band The Beatles wouldn’t have been possible without the King of Rock’n’Roll. Being an avid Beatles fan I went to town and searched for a compilation of Elvis’ hits. Guess I bought Elvis Forever, a double LP with Elvis’ most famous songs, “Heartbreak Hotel”, “Blue Suede Shoes”, “Hound Dog”, “Jailhouse Rock”, “In The Ghetto”, “Suspicious Minds” and all that stuff.

When pubrock and punk came along, I had lost track of Presley’s newer music and the pictures that showed him getting fat were pitiful. But on the evening after the day Elvis died, I took the train to Linz, a bigger city nearby, with my best friend. Norbert and I had formed our first band together, named after a famous Elvis song and were deeply moved by his untimely death. We went to a shabby cinema, where we watched in memoriam of Elvis Wild in the Country, one of the better Hollywood movies he had made, being still in his prime. It wasn’t utterly brilliant, but it did a good job in soothing the loss we felt.

A few weeks later I was in town again digging for new records. In a small, groovy record store I found Elvis Costello’s famous album debut My Aim is True. A new Elvis had entered the stage. But that is a different story.

 

Sounds for the Summer Vol. 3: Dan Auerbach “Waiting on a Song”

Die zweite Solo-LP des Mastermind der Black Keys hat einen beschwingten Song für jeden Sommertag.

37 Grad draußen, Zeit für die nächste Sommer-Sound-Empfehlung: Dan Auerbach, wer sonst? Die Quoten für Jack White haben sich mit der Veröffentlichung von Auerbachs zweitem Soloalbum Waiting on a Song weiter verschlechtert. Auf die drei Jack Whites, die nach Erscheinen von Your’s, Dreamily, dem famosen ersten Longplayer von The Arcs, Auerbachs Zweitband neben den Black Keys, für einen Dan Auerbach fällig waren, muss man jetzt nochmal drei Jack Whites drauflegen. Der 38-jährige Auerbach überzeugt nämlich auf Waiting on a Song nicht nur als Songschreiber, Musiker und Sänger, er brilliert erneut als auf kleinste Arrangement- und Sound-Details achtender, geschmackssicherer Produzent, der gekonnt die Rock-Historie zitiert, ohne in die Retrofalle zu tappen. Nicht umsonst waren die von ihm produzierten Alben von Lana Del Rey, Valerie June oder Ray LaMontagne besser als deren nachfolgende Platten ohne ihn.

Das Warten auf neue Songs dürfte für Dan Auerbach trotz des eine Schreibblockade andeutenden Titelsongs eine relaxte, stressfreie Zone gewesen sein. Jedenfalls klingt Waiting on a Song danach. Anders als die schattigen Country-Blues-Balladen seines 2009er Solodebüts Keep it Hid punkten die zehn neuen Songs mit ihrem sonnigen Gemüt und rauschen mit Schwung und Leichtigkeit durch die Sommerhitze. Eine wohltuende frische Brise, die jedes Stimmungstief aufklart und für gute Laune sorgt.

Aufgenommen wurde größtenteils in Dan Auerbachs eigenem Easy Eye Sound Studio in der Country-Music-Metropole Nashville mit einigen Country- und Memphis-Soul-Veteranen, sowie Gitarren-Twang-Legende Duane Eddy, Mark Knopfler (Ex-Dire Straits) und Country-Altmeister John Prine, der gleich auch sieben Songs mitgeschrieben hat.

Vom eröffnenden Titelsong bis zum abschließenden, hinreißend poppigen „Show Me“ hört und spürt man die Freude und den Spaß, den Auerbach und seine versammelten Kollegen im Studio hatten. Und dieses Gefühl überträgt sich auf die Hörer, ob nun im satirischen „Malibu Man“, dem an Marc Bolan erinnernden Rock’n’Roller „Livin‘ in Sin“, dem Siebzigerjahre-Softrock von „King of a One Horse Town“ und dem für diese Platte programmatischen Blauer-Himmel-gute-Laune-Pop von „Shine On Me“.

Ein perfekter Soundtrack für  jeden Sommer.

Dan Auerbach Waiting on a Song, Easy Eye Sound, 2017

 

Sounds for the Summer Vol. 2: The Style Council “Á Paris”

The Style Council’s “Long Hot Summer” is one of the most beautiful summer songs ever.

How to brighten up the world in these often troubled times: Spinning some wonderful 12“- & 7“-Singles of The Style Council on the not new anymore, battered turntable in our living room. The Style Council have been founded by Paul Weller (vocals, guitar, bass, songwriting), still only 23 years old, and Mick Talbot (of Dexys Midnight Runners fame; keyboards, piano, vocals) after Weller disbanded in 1982 his first combo The Jam on the peak of their success. The Jam were driven by the new modern sound of punk & new wave and their love for The Who, Small Faces and 1960s mod culture, also by rhythm & blues and soul music.

Paul Weller tried in The Style Council’s music to incorporate even more blue eyed soul, funk and jazz elements and thereby creating a soulful, relaxed and joyful pop sound compared to the racy guitar fire, passion and furor of The Jam. In the 1980s The Style Council were responsible for some of the most beautiful, inventive, playful and even romantic pop music of the decade. They scored mainly in the United Kingdom hits like “Speak Like A Child” (1983), “My Ever Changing Moods” (1984) and “You’re The Best Thing” (1985), created some fantastic albums like Café Bleu (1984) or Our Favourite Shop (1985) and are up to this day one of my favourite, most treasured pop combos ever.

My all-time favourite amidst a dozen and more ancient Style Council 12”- & 7”-Singles in my collection, all bought in London, Hamburg, Munich, Vienna, Linz, Salzburg or some other European city, is The Style Council Á Paris from 1983. Drummer Steve White had then already joined the initial duo, the superb soul singer Dee C. Lee, later also Weller’s wife for eleven years and mother of two of his children, should follow some time later in 1984. On Side A of The Style Council Á Paris the wonderful yearning “Long Hot Summer” is slowly grooving in a compelling extended version. On Side B another three wonderful ditties are enchanting us: ”Party Chambers”, “The Paris Match” and “Le Départ”.

The impressive original Recording Information on the back cover goes like this: „These four tunes were recorded in Paris between the 12th and 17th June – they were recorded there because we felt they all had a similar ‘Blue Mood’ and a certain French flavor about them.

‘The Paris Match’ Paul originally wrote for leading French Chanteuse Suzanne Toblàt, who recorded it with a French lyric, though it has yet to see a release.

‘Party Chambers’ you may already know, though this time it’s in a different form with a special arrangement by Mick.

‘Le Depart’ is Mick’s tender piano instrumental which is to be used as the theme for a new French film in production called The Golden Lama starring Alain Mélon.

And finally ‘Long Hot Summer’ will be coming out of portable trannies on beaches, while some of you fall in love for the first time, and while others will fall out of love for the last. Enjoy!”

And last but not least an important excerpt from the original liner notes written by mysterious The Cappuccino Kid: „I’m just saying that this universe we revolve in (back flips optional) can be a sad and desolate place to inhabit. It can also be heaven sometimes.”

And this fits perfectly also for today. Enjoy The Style Council Á Paris!

The Style Council À Paris, Polydor, 1983

 

Sounds for the Summer Vol. 1: “Don Letts Presents Culture Clash Radio“

Don Letts super fab new album mix is the perfect soundtrack for a scorching hot summer day like this.

I don’t blame it on the boogie, but for my newest pleasurable musical refreshment I have to thank my cool Parisian ally, the great Olivier Popincourt, who’s already one of my favourite French musicians ever.

It was Olivier, who posted on Facebook one track from Don Letts’ new compilation album Don Letts Presents Culture Clash Radio. Not only the album title but also its open minded, wild and adventurous musical mix resembles the Don’s weekly 6music radio show for the BBC.

The song in question that Olivier posted is the programmatically titled “Summer“ by Bobby Goldsboro (of „Honey“ fame), released in 1968. It’s a fine song, right for this season and it seems that it could have inspired German singer-songwriter Peter Maffay for his yearning 1976 hit “Und es war Sommer“. But much more important was – the (for me) brand new information – that the legendary English DJ, musician and filmmaker Don Letts has a new record out. Oh boy, I had to search for that new one immediately.

The reason because I got so excited by Olivier’s news is that I’ve got already some of Letts superb compilations like Dread Meets Punk Rockers Uptown (double vinyl LP, 2001) and Don Letts Presents The Mighty Trojan Sound (double CD, 2003) in my collection and play them frequently. They fill my inner self with joy and make my heart and feet dancing.

Just in case you’re not familiar with the unbelievable life and career of this British music legend here are some facts about Don Letts, who’s wearing quite mighty, impressive dreadlocks. Born in 1956 as the son of Jamaican immigrants he listened not only to music from Jamaica like ska and reggae but also to rock ‘n’ roll from the USA and all the sixties pop and rock music being played mostly on pirate radio stations like Radio Caroline and Radio London. And so Don Letts was both: a dedicated Beatles fan from the beginning and an avid lover of black soul music and funk.

In the days of punk and new wave Letts became as DJ in clubs like the Roxy a key figure in the scene that introduced the young white punk rebels to heavy reggae grooves, befriended people like Sex-Pistols-singer Johnny Rotten and The Clash, for whom he also worked as video clip and movie director. When The Clash disbanded, Don Letts formed a band with Clash guitar player Mick Jones, the aptly named Big Audio Dynamite, recorded a few albums and toured with them. In the 1990s and 2000s he worked mostly as director of video clips and musical documentaries, like Westway to the World about The Clash, for which he won a Grammy Award.

There’s a lot more which could be told about Don Letts but you can read more about the man in his extensive autobiographical liner notes that come with the double vinyl LP (and also the super fine Digipak-CD-Edition, pictured left). But I don’t want to spoil these, especially not the amusing anecdotes which he recollects, like that about the long smoky London night when he became friends with a certain Bob Marley. But hey, read yourself and listen to the music of Culture Clash Radio!

Being only sixty years young Don Letts is nowadays still active as a DJ, well respected for his skills, musical knowledge and taste, and he’s sought after all around the world. His 6music radio show Culture Clash Radio for the BBC, which can be listened to in the internet if you’re like me not living in the UK, is running in its tenth year now and maybe this super fine new compilation is kind of a jubilee thing for Letts.

While his above mentioned compilations are strictly reggae only, Don Letts’ new one is like his radio show musically quite a mixed affair displaying varied musical styles besides reggae and merging them into a wonderful oneness. If you want to get political you can call Don Letts’ Culture Clash Radio a manifesto for open-mindedness, diversity and humanity in a most positive way. Respect!

Side A of LP 1 is so good, that at first I had to listen to it again and again before flipping over to Side B. Starting with the 1967 Motown groover “Festival Time“ by the San Remo Golden Strings which despite the Italian connection to the San Remo Song Festival stem from Detroit, including some members of the legendary Funk Brothers. The funky jazz-rap “Tukka Yoot’s Riddim“ by Us3, Baaba Maal’s poppy afro-rock “Fanta“, early Bronx rap “Magic Wand“ by Whodini and the funky reggae “Tribute To Drumbago (aka Last Call)“ by The Dynamites round up the simply irresistible, super catchy mix of this first side.

Side B of LP 1 opens with the ubiquitous sunshine pop of The Association’s “Windy”, the North African grooves of Cheb Khaled’s “Raga” or the Westcoast pop of The Mamas & The Papas’ “Shooting Star” are further highlights.

Just like Bob Lind’s sunshine pop “Elusive Butterfly” which is even better than Bobby Goldsboro’s “Summer”, Cibo Matto’s enchanting “Sugar Water” and Lewis Tayor’s blue-eyed soul “Lucky”, followed by the hypnotic “Fallout” by Don Letts’ second combo Screaming Target, that closes Side A of LP 2.

Side B of LP 2 is opened by “Summer” and the still more fascinating African-Arabic licks of “Persian Love”, created by German music wizard Holger Czukay (of Can fame). I didn’t know Nina Simone’s superb, soulful interpretation of Leonard Cohen’s “Suzanne” that follows, but now I can’t imagine not hearing it again and again. The same goes for the closing track, the bass heavy Grasshopper Dub remix of Bryan Ferry’s elegiac dancefloor hymn “Don’t Stop The Dance”.

And this dance won’t stop, at least as long as the almighty Don Letts is on the decks.

 Don Letts Don Letts Presents Culture Clash Radio, Station 5 Ltd., 2017

Kris Kristofferson: Wirklich frei ist man erst, wenn man tot ist

Kris Kristofferson, der Mann, um den es hier geht, feiert seinen 81. Geburtstag

Sein Vollbart wurde aber schon grau, als anno 1970 kein Geringerer als Johnny Cash auf der Coverrückseite seiner schlicht „Kristofferson“ betitelten Debütplatte sein Talent als Songschreiber rühmte, immerhin hatte Kristofferson damals schon amtliche Songklassiker wie „Me And Bobby McGee“, „Help Me Make It Through The Night“, „For The Good Times“ oder „Sunday Mornin’ Comin’ Down“ geschrieben und mit seiner unvergleichlichen supertiefen, immer irgendwie rau vor sich hin rumpelnden Stimme gesungen. Er war Ende der 1960er eine der Leitfiguren der neuen rebellischen Generation in Nashville, der Hauptstadt der Country Music. Der Outlaw aus Überzeugung textete viel persönlicher und zugleich politischer, als es in den meisten Country Songs üblich war. Kristofferson erwies sich als einfühlsamer Poet, vortrefflicher Geschichtenerzähler und radikaler Gesellschaftskritiker. Bis heute wurden seine Songs von hunderten Künstlern mit gutem Namen aufgenommen, darunter solche Granden wie Johnny Cash, Janis Joplin oder Frank Sinatra. Neben seiner vor allem in den 1970ern erfolgreichen Plattenkarriere etablierte sich Kristofferson sich mit Filmen wie „Pat Garrett And Billy The Kid“, „A Star Is Born“, „Convoy“ oder „Blade“ auch als erfolgreicher Hollywood-Schauspieler. Sein etwa ein Jahr vor unserem Gespräch im Frühling 2007 veröffentlichtes letztes Album „This Old Road“ ist seine erste Platte mit neuen selbst geschriebenen Songs seit gut zehn Jahren und sollte ihn im März 2007 auch ins Wiener Konzerthaus führen, wo er allein zur Gitarre alte Klassiker und neue Lieder sang. Weshalb Christoph Moser, der legendäre Musikchef seines österreichischen Plattenvertriebs Hoanzl, mir für das folgende, weit über eine Stunde dauernde Interview Kris Kristoffersons private Telefonnummer auf Hawaii anvertraute. Es läutete lange, dann aber ertönte die wohlbekannte Schmirgelpapierstimme: „Hallo?“ 

Klaus Winninger: Spreche ich mit Kris Kristofferson?

Kris Kristofferson: Ja, hallo.

KW: Wie geht es Ihnen?

Kris Kristofferson: Gut, danke. Ich war draußen und habe mit meinem Traktorrasenmäher die Wiese gemäht, deshalb hat es etwas gedauert, bis ich zum Telefon gekommen bin.

KW: Sie leben mit Ihrer dritten Frau und Ihren Kindern jetzt schon viele Jahre auf Hawaii. Warum eigentlich?

Kris Kristofferson: Meine Frau und ich haben fünf Kinder, das älteste ist schon 22, das jüngste erst elf Jahre alt. Ich wollte nicht, dass meine Kinder in einer großen Stadt aufwachsen müssen, also habe ich schon vor 25 oder 30 Jahren hier Land gekauft, und wir sind hierher gezogen.

KW: Sie haben letztes Jahr mit This Old Road nach fast zehn Jahren Pause auch wieder eine Platte mit neuen selbst geschriebenen Songs aufgenommen. Wie kam das zustande?

Kris Kristofferson: Ich schreibe eigentlich immer Songs. Ich kann da gar nichts dagegen tun, sie strömen mir einfach so zu. Und mir war es nicht einmal aufgefallen, dass ich schon so lange keine Platte mehr gemacht hatte. Aber mein Produzent Don Was fragte mich, ob ich nicht doch wieder einmal etwas Neues aufnehmen wollte. Er schlug vor, mich allein mit Gitarre und Harmonika aufzunehmen und eine ganz sparsam instrumentierte Platte zu produzieren. Zuvor fand ich die Idee ein bisschen beängstigend, aber nachdem ich auch meine Konzerte schon seit einigen Jahren alleine bestreite, hatte ich schließlich doch den Nerv, es wirklich so zu machen.

KW: Hatten Sie nach dem großen Erfolg von Songs wie „Me And Bobby McGee“ nie Zweifel oder Ängste, ob Sie solche starken Lieder überhaupt noch einmal schreiben können?

Kris Kristofferson: Ich erinnere mich, dass andere Leute diese Angst hatten. (Lacht) Die einen wollten mich überreden, nur ja nicht auf Tournee zu gehen, um keine Zeit für das Songschreiben zu verlieren. Die anderen meinten, ich sollte keine Filme mehr drehen, weil mir die Arbeit als Schauspieler, nur wertvolle Zeit stehlen würde. Aber ich wollte immer so viele Erfahrungen wie möglich machen, und ich bin froh darüber, dass ich all diese Erfahrungen gemacht habe. Und vielleicht sollten sich diese Leute ja einmal auch die anderen Songs anhören, die ich über die Jahre geschrieben habe, und die es auch wert wären, gehört zu werden. So wie „This Old Road“ zum Beispiel, den Titelsong des neuen Albums, den ich schon früher einmal aufgenommen habe, und den damals keiner hören wollte. Und jetzt hat die neue Platte so enthusiastische Kritiken erhalten, wie ich sie lange nicht mehr gewöhnt war.

KW: Glauben Sie, dass Sie noch viele neue Songs in sich haben?

Kris Kristofferson: Ich hoffe es. Ich habe noch nie gewusst, ob ich noch ein weiteres Lied schreiben werde, nachdem ich eines vollendet habe. Aber bis jetzt schreibe ich ja immer noch welche. Und ich werde wohl solange Songs schreiben, bis man mich einmal begraben hat.

KW: Gibt es schon Pläne für ein weiteres Album?

Kris Kristofferson: Ja, mein Produzent Don Was möchte unbedingt noch so eines machen. Und die Leute von der Plattenfirma haben mich auch schon gefragt, ob ich noch so eine Platte aufnehmen will, und ich stelle gerade die Songs dafür zusammen.

KW: Sie sagen, Sie schreiben eigentlich immer an neuen Songs. Bei welcher Gelegenheit schreiben Sie? Setzen Sie sich an den Schreibtisch und…

Kris Kristofferson: Nein, ich konnte mich noch nie hinsetzen und etwas aufschreiben. Wie gesagt war ich, als Sie angerufen haben, draußen auf meinem Traktor. In solchen Situationen habe ich die Gelegenheit nachzudenken, mein Gehirn fängt dann erst so richtig zu arbeiten an. Meistens inspiriert mich etwas, das in meinem Leben gerade vor sich geht. Daher reflektieren die Songs auf dem neuen Album auch, wie das Leben so ist, wenn man älter wird.

KW: Diese intuitive Methode überrascht: Schließlich sind die Texte Ihrer Songs bei aller Schnörkellosigkeit und Einfachheit oft von großer literarischer Qualität und wirken, als wären sie in mühevoller Detail- und Schreibarbeit entstanden. Egal, ob es nun ein neuer Song wie „Pilgrim’s Progress“ ist oder es sich um Klassiker wie „Me And Bobby McGee“ oder „Sunday Mornin’ Comin’ Down“ handelt.

Kris Kristofferson: Ich erfinde diese Zeilen in meinem Kopf und wälze sie  so lange hin und her, bis sie für mich passen. Ich hatte das Glück, mit sehr viel guter Literatur Bekanntschaft zu machen, als ich noch zur Schule ging und die Universität besuchte. Und danach habe ich sehr viel gute Musik kennen gelernt. Bob Dylan und die großen Country-Songschreiber wie Hank Williams, Johnny Cash, Roger Miller oder Willie Nelson. Ich vertiefte mich Mitte der 1960er Jahre voll in diese Songschreibertradition, und seither ist das die Art, in der meinen Erfahrungen einen Sinn zu geben versuche.

KW: Wobei Ihre besten Songs zum einen kunstvoll gedichtet und literarisch, zugleich aber lebensecht und berührend wirken.

Kris Kristofferson: Es freut mich, wenn die Leute, die meine Songs hören, dies so empfinden. Denn genau das ist es, was man als Songschreiber versucht. Ein guter Song versucht dich viel mehr über die Gefühle zu erreichen als über den Intellekt. Wenn man das Herz bewegt hat, folgt auch der Kopf. (Lacht) Das möchte ich auch mit meinen Liedern schaffen. Manchmal funktioniert es, manchmal nicht. Und das gilt auch  für jene Songs, die ein politisches Thema haben: Wenn man die Gefühle der Menschen ansprechen kann, hat man auch die Chance, das Denken von jemandem zu verändern.

KW: Um 1965 herum haben Sie eine Lebensentscheidung getroffen. Sie haben beschlossen, nach Nashville, in die Hauptstadt der Country Music, zu gehen und dort Ihr Glück als Songschreiber zu versuchen. Eine Entscheidung mit weit reichenden Konsequenzen. Weder Ihre Eltern, noch Ihre erste Frau waren davon begeistert. Ihre Frau, die Mutter Ihrer ersten beiden Kinder, hat bald danach sogar die Scheidung eingereicht, weil sie dieses unstete, unsichere Leben nicht wollte. Zuvor hatten Sie schon in England an der Universität von Oxford studiert und anschließend fünf Jahre in der US-Armee als Hubschrauberpilot gedient. Sie waren also lange auf der Suche nach was auch immer unterwegs. Haben Sie je gefunden, was Sie gesucht haben?

Kris Kristofferson: Ich habe es gefunden, als ich nach Nashville gegangen bin. Ich schloss mich dort der Songschreiberszene an, das war unglaublich aufregend für mich. Damals gab es in Nashville zwei Straßen, in denen sich die ganze Musikszene abspielte, dort waren all die Aufnahmestudios und die Musikverlage und natürlich auch eine Reihe von Bars, wo alle herumgehangen sind. Man konnte da ganz unkompliziert auch mit Leuten zusammenkommen, die schon Erfolg hatten und Stars waren. Manche davon waren richtig hilfsbereit, andere haben einen einfach durch ihre tollen Songs inspiriert. Jeder von uns versuchte die anderen Songschreiber mit einem gut geschriebenen Song auszustechen. Mit guter seelenvoller Musik, niemand wollte etwas hören, das nur eine Popformel war. Wir schätzten echte, wahrhaftige Musik. Und es kostete mich etwa vier Jahre, um mich durchzusetzen und Leute wie Roger Miller oder Johnny Cash dazu zu bringen, meine Songs zu singen und auf Platte aufzunehmen. In dieser Zeit war es so, als würde ich noch einmal zur Schule gehen. Ich hatte mich total in das Songschreiben verliebt und lernte alles darüber. Auch wenn ich nie erfolgreich geworden wäre, hätte ich gefühlt, dass ich am richtigen Platz war und das Richtige mache. Johnny Cash, Willie Nelson und Waylon Jennings, all diese Künstler, die meine Helden waren und die ich so sehr bewunderte. Ich lernte sie alle kennen, und wir sind engste Freunde geworden.

KW: Nashville war also die Erfüllung Ihrer Sehnsüchte und Träume?

Kris Kristofferson: Ja! Ich hatte schon zuvor einmal zwei Wochen in Nashville verbracht, als ich eigentlich noch in der Armee war. Aber ich bekam Urlaub, als ich nach drei Jahren, in denen ich in Deutschland stationiert war, zurückgekommen bin. Am Ende dieser zwei Wochen wusste ich, dass Nashville der Platz ist, wo ich voll und ganz hin gehöre.

KW: Sie sagen: Nashville, die Hauptstadt der Country Music, die Stadt von Hank Williams, Johnny Cash und Willie Nelson, war das Ziel Ihrer Träume, in dem Sie Mitte der 1960er endlich angekommen waren. Galt das nur für den Songschreiber und Sänger Kris Kristofferson oder auch für den Menschen? Immerhin scheint ja durch das Ausleben dieser Träume auch Ihre erste Ehe zerbrochen zu sein.

Kris Kristofferson: Ich habe getan, was ich glaubte tun zu müssen. Ich wollte so viel wie möglich erleben und darüber so bewegend schreiben, wie ich nur konnte. Ich bin mir sicher, es gab da einige Unebenheiten, und ich habe wohl auch Personen, die mir nahe standen, verletzt. Ich habe viel riskiert – als Mensch, aber auch als Sänger und Songschreiber. Ich war es ja nicht einmal gewöhnt, mich vor ein Publikum hinzustellen und meine Songs zu singen. Das Einzige, was ich zuvor in der Richtung gemacht hatte, war Boxen. (Lacht) Aber wenn man auf die Bühne steigt und ein Lied singt, das man selbst geschaffen hat, dann kostet einen das doch viel mehr Überwindung. Ich hatte das Glück, damit erfolgreich zu sein. Wenn ich recht überlege, bin ich in meinem Leben vom Glück wirklich verwöhnt worden, denn die Musik für die ich mich damals entschieden habe, die seelenvolle Country Music, sie bedeutet mir heute noch genauso viel wie damals.

KW: Seelenvoll in dem Sinn, dass diese Musik etwas mit dem richtigen Leben zu tun hat?

Kris Kristofferson: Tiefe, echte Gefühle, ja. Jemand anderer kann das vielleicht auch beim Jazz fühlen, aber für mich war Jazz immer etwas viel zu Intellektuelles, das mir im Gegensatz zur Einfachheit von Country Music und Folk nichts gegeben hat.

KW: In ihrem neuen Song „Pilgrim’s Progress“ singen Sie davon, dass Sinn und Ziel des Lebens darin bestehen, ein besserer Mensch zu werden.

Kris Kristofferson: Ja, denn wenn man sich darum nicht bemüht, bleibt alles doch sehr oberflächlich. Genauso wie es beim Songschreiben und Singen nicht um bloße Kunstfertigkeit oder geschickte Spielerei gehen sollte, sondern um etwas Tiefempfundenes, muss man sich auch im Leben um tiefgehende Emotionen und um Substanz bemühen.

KW: Gab es in Ihrem Leben Dinge, die Sie heute bereuen, getan zu haben?

Kris Kristofferson: Wie viel Zeit haben wir? (Lacht) Ich fürchte, wir haben nicht genug, um alles in Frage kommende aufzuzählen. Aber wenn man die Art von Leben lebt, die ich gelebt habe, das Leben eines fahrenden Künstlers, dann lassen sich manche dieser Sachen wohl nicht vermeiden. Kaum zu glauben, dass ich heute dennoch eine so wunderbare Familie habe.

KW: In den 1970ern sollen Sie das Künstlerleben intensiv ausgekostet haben?

Kris Kristofferson: Spielen Sie darauf an, dass ich viel zu viel getrunken und auch sonst einige nicht so gesunde Sachen gemacht habe? Das stimmt. Aber ich habe überlebt, und ich bilde mir ein, dadurch gelernt zu haben, was mir gut tut und was nicht.

KW: In „Thank You For A Life“, einem Song des neuen Albums, singen Sie die Zeile „Everything I am / I owe to you“. Wer ist dieses „You“? Gott?

Kris Kristofferson: Ja. Ich habe herausgefunden, dass meine erfolgreichsten Lieder, und das sind die Liebeslieder, auf verschiedenen Ebenen funktionieren. In einem Sinne geht es hier um mich und meine Frau, die Mutter meiner Kinder. Auf einer anderen Ebene um mich und mein Publikum, das mir erlaubt hat, mich zu verwirklichen und mich auszudrücken. Und in einem weiteren, tieferen Sinne geht es um Gott. Das funktioniert bei „For The Good Times“ genauso wie bei „Help Me Make It Through The Night“ oder eben “Thank You For A Life”. Ich danke meinem Glücksstern, dass ich der Mensch geworden bin, der ich werden wollte, und dass ich heute so viel Liebe in meinem Leben habe.

KW: Liebe und Freiheit, das sind wohl die zwei häufigsten und vielleicht auch wichtigsten Themen in Ihren Songs. Vor vielen Jahren haben Sie für „Me And Bobby McGee“ die Zeile „Freedom’s just another word for nothin’ left to lose“ geschrieben. Würden Sie das heute noch so hinschreiben? Stimmt diese Aussage heute noch für Sie?

Kris Kristofferson: Die Freiheit war für mich immer ein zweischneidiges Schwert. Zum einen geht es darum, die Freiheit zu haben, so sein zu können, wie man sein möchte – und nicht so sein zu müssen, wie jemand anderer das gerne haben will. Zum anderen schränkt es die eigene Freiheit natürlich ein, wenn man an etwas gebunden ist, das man nicht verlieren will, weil man es schätzt oder liebt. Wirklich frei ist man erst, wenn man tot ist.

KW: War „Me And Bobby McGee“ also mehr eine romantische Anwandlung?

Kris Kristofferson: Ich habe den Song geschrieben, als ich als Hubschrauberpilot viel in der Gegend von New Orleans unterwegs war, ein paar Textzeilen beziehen sich auch direkt darauf. Aber ich wollte in dem Song eigentlich die Stimmung von Fellinis Film La Strada heraufbeschwören. Diese herzzerreißende Szene, als Anthony Quinn schließlich das Mädchen auf der Straße zurücklässt. Er ist jetzt zwar frei von der Verantwortung für sie, aber er leidet qualvolle Schmerzen, als er am Strand die Sterne anheult.

KW: Gibt es für Sie so etwas wie Ihren besten Song?

Kris Kristofferson: Ich habe noch nie gedacht, dass irgendeiner meiner Songs mein bester Song sei. Ich denke vielleicht, dass das ein guter Song ist. Und ich habe Songs, bei denen ich fühle, dass sie so gut sind wie „Help Me Make It Through The Night“ oder „Me And Bobby McGee“. Sie  müssen aber erst noch entdeckt und anerkannt werden.

KW: Sie haben in Ihren Songs, aber auch sonst nie davor zurückgescheut, Kritik an politischen oder sozialen Missständen zu äußern. Warum ist Ihnen dieses Engagement so wichtig?

Kris Kristofferson: Ich habe als kreativer Künstler die Verpflichtung, die Wahrheit so zu erzählen, wie ich sie sehe. Das hat mich natürlich für Plattenfirmen oft nur schwer zu vermarkten gemacht.

KW: In den späten 1980er Jahren sollen Sie wegen einiger politisch besonders radikaler Platten größte Schwierigkeiten bekommen haben.

Kris Kristofferson: Ich wurde von meiner Plattenfirma hinausgeschmissen! Man sagte, dass eher Schweine fliegen lernen, als dass meine Songs im Radio gespielt würden. Ich erinnere mich an Konzerte, die ich damals tief unten im Süden der USA gegeben habe. Die meisten Leute im Publikum wollten zornig ihr Geld zurück.

KW: Wie denken Sie über die aktuellen politischen Verhältnisse in den USA?

Kris Kristofferson: Es ist die grauenvollste und am meisten deprimierende Zeit, seitdem ich auf diesem Planeten bin. Präsident Bush hat ja überhaupt keine Ahnung, was er den Menschen Schreckliches antut, ob nun im Irak oder unseren eigenen Soldaten und ihren Familien. Wir werden nie wieder gut machen können, was wir im Irak angerichtet haben. Es ist auch nicht zu rechtfertigen. Und es basiert alles nur auf Lügen. Wir züchten damit eine ganze Generation von hasserfüllten Terroristen heran, die die USA für den Teufel halten. Gewalt erzeugt bloß noch mehr Gewalt.

KW: Sie kommen als Sohn eines Generals aus einer konservativen, sehr strengen Familie, die lange nicht gebilligt hat, welchen Lebensweg Sie eingeschlagen haben. Haben Sie deswegen umso mehr rebelliert?

Kris Kristofferson: Ich habe gar nicht so sehr gegen Irgendjemand oder Irgendetwas rebelliert. Ich bin einfach in die Richtung gegangen, in die ich gehen wollte. Meine Familie war natürlich enttäuscht von mir, weil man mich nicht verstanden hat. Aber ich weiß auch, dass meine Eltern letztlich doch noch ihre Meinung über mich geändert haben.

KW: Auch in der Musikszene scheint die Stimmung umgeschlagen zu haben: Wie Sie vorhin erwähnten, ist Ihre neue Platte so positiv aufgenommen worden wie keine Ihrer Platten seit den 1970er Jahren. Warum wohl?

Kris Kristofferson: Ich glaube, dass sich die Weltlage entscheidend verändert hat. Und dass meine Songs in dieser schlimmen Zeit daher wieder besser passen und den Menschen mehr sagen als noch vor ein paar Jahren. Vielleicht hat mir auch Johnny Cash mit seinen letzten Platten ein wenig den Weg geebnet? Er  allein mit seiner Gitarre. So mache ich es jetzt auch auf meinem Album und in meinen Konzerten.

KW: Sie stehen immer ganz allein auf der Bühne?

Kris Kristofferson: Ja, ich wage das schon seit einigen Jahren. Ich spiele zwischen eineinhalb und zwei Stunden und versuche ein Programm zu bringen, das für mich Sinn macht, aber zugleich alle Songs inkludiert, die jeder hören will. Ich möchte, dass sich die Dynamik der ganzen Show wie die Dynamik eines einzelnen Songs anfühlt.

KW: In „Final Attraction“, einem Schlüsselsong von This Old Road, erwähnen Sie verstorbene Weggefährten wie den Country-Sänger Waylon Jennings. Wie gehen Sie damit um, dass Ihre allerbesten Freunde, inzwischen leider auch Johnny Cash, nicht mehr am Leben sind?

Kris Kristofferson: Es kann nur noch schlechter werden. (Lacht grimmig) Das ist der Prozess des Lebens. Wir müssen alle sterben. Wenn ich an John und Waylon denke, wünsche ich mir, ich hätte früher realisiert, wie kurz unsere gemeinsame Zeit sein wird. Andererseits freue ich mich und bin dankbar dafür, dass sie überhaupt Teil meines Lebens waren.

KW: Ist in Ihrem abenteuerlichen, an Erlebnissen sicher reichen Leben eigentlich noch ein Wunsch offen geblieben?

Kris Kristofferson: Ich denke nicht, dass ich mir für mich selbst noch etwas wünschen möchte. Nur für meine Familie und meine Freunde. Ich wünsche ihnen, dass sie alles werden können, was sie sein wollen.

KW: Kris Kristofferson, herzlichen Dank für unser Gespräch.

Kris Kristofferson This Old Road, New West Records, 2006

(now!, Nr. 55, Februar 2007 / now! Nr. 56, März 2007 in zwei Teilen erschienen; im Juni 2017 anlässlich von Kris Kristoffersons 81. Geburtstag überarbeitete Fassung)

Wie Ray Davies und die Kinks in den Roaring Sixties das aufregend prickelnde Swinging London besangen

Fundstücke #11: Golden Hour Of The Kinks & Golden Hour Of The Kinks Vol. 2, originale, englische Vinyl-LPs

Es gibt keinen direkten Zusammenhang, aber es war wohl die Lektüre von Nick Hornbys trefflicher Schilderung der frühen 1960er Jahre in England, insbesondere der aufgeregt-prickelnden Atmosphäre des Swinging London, in seinem formidablen jüngsten Roman Miss Blackpool (Originaltitel: Funny Girl), die mich dazu brachte, wieder meine alten Platten von Ray Davies und den Kinks aus dem Regal zu holen und mit größtem Vergnügen zu hören.

Vor allem diese hier: Golden Hour Of The Kinks, erstmals 1971 eigentlich nur in England auf Pye Records veröffentlicht und 1973 mit einer zweiten LP Golden Hour Of The Kinks Vol. 2 ergänzt, in einer Reihe von Billigcompilations, in der auch Sammlungen von schottischen Liedern, effektvollen Stereoaufnahmen oder Opern-Ouvertüren erschienen sind. Zwei, drei Jahre später – nach meiner popmusikalischen Erweckung durch die Beatles und Rolling Stones sowie dem illuminierenden Kontakt mit den quasi extraterrestrischen Freudenspendern des Glamrock, den Sweet, Slade, T. Rex und David Bowie – fielen mir diese Platten, die eine mit einem lässigen, fast hippie-mäßigen Aquarellbild der Kinks, die andere mit einem irritierend psychedelisch verfremdeten Bandfoto auf dem Cover, beim Stöbern in einem Linzer Plattengeschäft in die Hände. Das passte gut. Schließlich absolvierte ich gerade, kurz vor der Punk- und New-Wave-Revolte, einen Grundkurs über den Britpop der Swinging Sixties, abseits der Beatles und Stones, die ja nur die Spitze einer gigantischen Welle waren. Als Nächste an der Reihe waren: The Who, The Small Faces und natürlich – The Kinks.

Die nicht nur musikalisch brisante Konstellation um das Brüderpaar Ray und Dave Davies kreierte zum einen mit den furiosen frühen Hits „You Really Got Me” und „All Day And All Of The Night“ praktisch den Prototypen für den späteren Hard und Heavy Rock.

Zum anderen aber hatten The Kinks mit dem Bandleader und Sänger Ray Davies, der dieser Tage seinen 73. Geburtstag feiert, einen besonderen Trumpf: Einen genialen Songschreiber, einen präzisen Londoner Alltags- und Szene-Chronisten mit genauem, unbestechlichem Blick, dessen Songs oft mit einer ansprechenden melodischen wie auch hohen textlichen Qualität daherkamen. Ich sage nur: „Waterloo Sunset“, „Dedicated Follower Of Fashion“, „Sunny Afternoon“, „Dandy“, „A Well Respected Man“, „Dead End Street“, „See My Friends“, „Stop Your Sobbing“, „David Watts“, „Lola“ oder „Days“, aber das ist jetzt nur der Gipfel eines Mount Everest an großartigen Songs.

Vor allem die erste Golden Hour Of The Kinks-Platte hält, was sie verspricht. Eine volle Stunde lang herrliche Songs der Kinks. Gar nicht mal perfekt zusammengestellt, aber doch viel von dem mit dabei, was die Kinks von 1964 bis in die späten 1960er ausmachte. Ein schönes Porträt einer typisch englischen und ganz besonderen Combo. Ich konnte mich an der Platte früher jedenfalls nicht satthören, und ich lege sie auch heute noch oft und gerne auf. Als die Kinks so um 1977, 1978 herum in der Sporthalle in Linz ein mitreißendes Konzert spielten, war ich voll von der Golden Hour Of The Kinks infiziert und sang ihre größten Hits laut und leidenschaftlich mit.

Nach einigen nur schwer genießbaren, überkandidelten Rockopern waren die Kinks in der zweiten Hälfte der 1970er mit feinen Alben wie Sleepwalker (1977), Misfits (1978) oder Low Budget (1979), mit packenden Songs wie „A Rock’n’Roll Fantasy“, „Catch Me Now I’m Falling“ und „(Wish I Could Fly Like) Superman“, wieder voll auf Kurs und vor allem in den USA erfolgreich wie nie. Davon zeugt auch das fantastische Live-Doppelalbum One For The Road von 1980. In der englischen Heimat wurden The Kinks nun von jungen Stürmern und Drängern wie Paul Wellers The Jam, die ihren Song „David Watts“ neu aufnahmen, als verdienstvolle, beispielgebende Vorläufer geadelt, und ein Jahrzehnt später dann erneut von Damon Albarn und Blur, aber auch von den Gallagher-Brüdern von Oasis als Säulenheilige des Britpop verehrt.

Und heute? Während die Rolling Stones ihre Zwistigkeiten für ihr 50-Jahre-Jubiläum, laufende Tourneen und ein neues, brillantes Studioalbum mit alten Blues-Originalen haben ruhen lassen und ihre späten Jahre ausgiebig zelebrieren, sind die Kinks seit fast zwanzig Jahren getrennt, wenn auch nicht offiziell. Die schon in den Sixties heftig streitenden Brüder Ray und Dave Davies sollen selbst heute noch einander verbittert gram sein, weshalb angebliche Verhandlungen über eine Reunion-Tournee zum Band-Fünfziger und danach außer vagen Absichtserklärungen von beiden bis jetzt wenig gebracht haben. Die Golden Hour Of The Kinks erinnert nicht zuletzt auch vehement daran, welch großer Verlust die durch den unversöhnlichen Streit der Davies-Brüder vergeudeten Möglichkeiten für die britische Rock- und Popmusik sind.

Ich habe mir Golden Hour Of The Kinks übrigens längst für unterwegs mit den von meinen Kinks-CDs auf den Laptop geholten zwanzig Songs eins-zu-eins als MP3-Playlist und als selbstgebrannte CD rekonstruiert – wer braucht schon schnöde Streaming-Dienste, wenn er eine richtige Plattensammlung hat?

Aber von der alten, schon leicht ramponierten Vinylscheibe, die sich gerade am Plattenspieler dreht, wehen einen Ray Davies‘ scharfsinniger Esprit und die nostalgische Sehnsucht und Melancholie, die von Beginn an viele Songs der Kinks durchflutet, noch einmal so schön und bewegend an. Nicht umsonst lamentierte Ray Davies schon 1965 in einem seiner funkelndsten Songs: „Where Have All The Good Times Gone“?

The Kinks The Golden Hour Of The Kinks & Golden Hour Of The Kinks Vol. 2, Pye Records, 1971 & 1973

(Erstmals veröffentlicht am 23. Februar 2015, anlässlich des 73. Geburtstages von Ray Davies im Juni 2017 gründlich überarbeitete, neue Fassung)