Ein Blog über Popmusik & Popkultur, Kunst & Kultur, Literatur & Film & Medien, das Leben & anderen Stoff. Interviews, Kritiken, Geschichten – A blog about pop music & pop culture, arts & culture, literature & movies, life & other stuff. Interviews, reviews, stories.
True romance from Paris: Popincourt’s splendid debut album is one of the best albums of the new millennium and one of my most favourite records ever.
Popincourt’s magnificent album debut A New Dimension to Modern Love has been released in June 2016, but I noticed the record only after some months. You can blame it on a Facebook compliment by Brent Cash, who is a great songwriter, singer, multi-instrumentalist, arranger and producer in his own right and gave the world three fantastic albums so far: How Will I Know If I’m Awake (2008), How Strange It Seems (2011) and The New High (2017).
Brent Cash advised all to listen to the new project of his Parisian friend Olivier Popincourt. This guy from Paris, so Brent, channels the blue eyed soul of Paul Weller’s The Style Council; the jazzy, funky electric piano and Hammond organ of old Blue Note records; the Motown soul of Marvin Gaye and his magnificent duet partner Tammi Terrell. After some cursory listening I quickly replied to Brent: „Like what I hear. Olivier’s songs are so beautiful!”
At first, I had to content myself with a quite good sounding MP3 album, I bought in a music download shop. The vinyl LP – only 300 have been printed – was only available in the online shop of Popincourt’s American indie label Jigsaw Records in Seattle, post & package absurdly expensive. But after my first enthusiastic review of A New Dimension to Modern Love in my blog I got in touch with Olivier Popincourt personally and could buy it directly from the artist himself. He sent me from Paris a nice package: With his debut LP – at a very generous prize and embellished with a personal dedication on the back cover. And also, a great, signed 10-inch-vinyl-EP, released in 2014: Four songs, amongst them the outstanding track Is This Real? which already heralded the wonderful pop miracle, that became reality with A New Dimension to Modern Love.
Popincourt, named maybe after the 11th Parisian arrondissement, is the music project of the French singer, songwriter and multi-instrumentalist Olivier Popincourt, who lives in Paris. A man with a declared British taste in pop music, who is active for quite some years now and well connected (with various projects) in the Parisian neo-beat- and neo-mod-soul-jazz-pop-scene. For the time being he also plays Hammond organ for French Boutik – a hot & hip, powerful mod-pop-combo from Paris – on their fantastic 2016 debut album Front Pop and often also live on stage.
The marvelous French Boutik singer Gabriela Giacoman returns the compliment and joins Popincourt on A New Dimension to Modern Love. Recording the album, Olivier also was seconded by some other great musicians: Hervé Bouétard, the drummer of the French music wizard and neo-chanson-singer Bertrand Burgalat; Ken Stringfellow (Posies, Big Star, R.E.M.) on bass; and soundtrack-composer Sébastien Souchois, who arranged all the exquisite jazzy brass sections throughout the songs and also served as producer in the recording studio.
The recipe for Popincourt’s amazing music and wonderful songs on A New Dimension to Modern Love follows a healthy diet. The already named ingredients – The Style Council’s French inspired 1983 cult LP Café Bleu, the sound of Marvin Gaye’s classic Motown soul and the iconic jazz of Blue Note Records – are complemented with some Small Faces; a dose of Paul Weller’s first fab combo The Jam; some Elvis Costello; some Joe Jackson; and maybe a bit of 1970s Californian sunshine pop. On top of all comes some super fine 1980s British indie-pop in the vein of Aztec Camera or Prefab Sprout. It seems, that Olivier Popincourt inherited in his musical DNA the melodies and vocal phrasing of Roddy Frame and Paddy McAloon – so he can’t do no other than croon his songs like them. Olivier does a heck of a job, and he delivers all his lyrics – written and sung in English – with a light, charming French accent. It’s simply irresistible.
So, what about Popincourt’s delicate songs? What he sings are odes of love. Love is all around wherever you look. One song is more beautiful and enchanting than the other. They sparkle with delicious, soulful melodies and have beautiful titles like The First Flower of Spring, Want You To Be A Souvenir, The Risk of Losing You or The Things That Last. The album title says it all. Send in the clichés: Paris, city of love. Sidewalk cafés. Cappuccinos. Smokey Bars and jazz clubs. Existentialism. Black turtlenecks. Trench coats. French kissing. We’ll always have Paris. All you need is love. There you go.
Finally, let me say that I haven’t heard for many years a more beautiful and more soothing album than A New Dimension to Modern Love, and one that enriches my life’s quality so much. The record hasn’t lost any of its magical appeal since I listened for the first time to the wonderful songs mentioned above and others like We Will Be Friends, Off Track or The Reason Why. If paradise is half as nice as A New Dimension to Modern Love, you can count me in.
Popincourt, A New Dimension to Modern Love, Jigsaw Records, 2016
Happy Xmas – Songs For The Festive Season: When the first candle on the Advent Wreath finally is lit up, I’m drifting quite instantly into a Christmassy mood, and I’m starting to play some Christmas tunes.
Same procedure every year: When the first candle on the Advent wreath finally is lit up, I’m drifting quite instantly into a Christmassy mood, and I’m starting to play some Christmas tunes. But every year I’m also thinking, well maybe not this year, I can do without syrupy and schmaltzy Christmas songs, the jingling, ringing bells, sleigh rides, reindeers and kitschy, sugar sweet Christmas melancholy. But then, as soon I hear the first Christmassy tunes, there’s no more escape. And despite 2022 was in general politically, economically, and socially an annus horribilis, it was personally a good one for my family and me. So, for the festive season there’s reason enough to celebrate. And my Christmas records started coming from the racks to the turntable and CD Player, and I started an major update of my Christmas Playlist on my Laptop, a playlist filled only with music I own on LP, CD or as download.
From Christmas With Love: My Happy Xmas – Songs For The Festive Season is now filled with 185 handpicked Christmas tunes: Classics galore, from Santa Claus Is Coming To Town to Have Yourself A Merry Little Christmas, Winter Wonderland and White Christmas to SilentNight, Christmas Time Is Here,Little Drummer Boy and Jingle Bells. Lots of Christmas songs by She & Him, cause Zooey Deschanel and M. Ward are great experts in all things Christmas. Lots of Tracey Thorn (Everything But The Girl), Norah Jones, Nick Lowe, Phil Spector, Dean Martin, and Frank Sinatra, even Bob Dylan and Bruce Springsteen: Lots of rhythm & blues, soul, jazz, indie- and alternative-pop, and much more. For instance, at least five versions of Last Christmas – why that? Because it’s such a great song. There even a brand-new one, The Bird And The Bee’s superb Christmas Without The Queen. There’s many classics here but also a lot of lesser known stuff, lots of lighter songs, but also many deeper cuts. This playlist is now bookended by Hallelujah, it starts with Leonard Cohen’s original, and it ends with the Jeff Buckley’s version.
May I advise you, to listen to these songs now throughout December, cause after New Year’s Day you can pull the plug, game over, bonjour tristesse. Is there anything more dreary than Christmas songs in January? Maybe shrivelled Christmas trees lying by the streetside waiting for the refuse collection. You got the picture? There you go … Christmas bliss for ten hours and seven minutes.
Wie Jochen Distelmeyer anno 2016 in seinem Konzert Dr. Feelgood und ihren furiosen Gitarristen Wilko Johnson rühmte und mir seinen Roman Otis ganz speziell signierte.
Im Mai 2016 habe ich Jochen Distelmeyers RomanOtis zu des Sängers Konzert im Salzburger Rockhouse mitgenommen, um mir das Buch vom Meister persönlich signieren zu lassen. Die coole LP-Hülle seines geradeneuen Albums Songs From The Bottom Vol. 1, auf dem Distelmeyer in seinem kühlen hanseatischen Englisch famose Songs wie Al Greens Let’s Stay Together, Lana Del Reys Video Games, Britney Spears Toxic oder Nick Lowes I Read A Lot intoniert, schien mir zu sperrig, um das Konzert im Salzburger Rockhouse-Gewölbe genießen zu können.
Der Plan ging auf. Jochen Distelmeyer beglückte uns, begleitet von einem zweiten Gitarristen/Keyboarder, mit den erlesenen Songs From The Bottom plus einigen weiteren hochfeinen Coverversionen wie What’s Going On vom gestrauchelten Soul-Priester Marvin Gaye oder Take The Long Way Home von Supertramp und ein paar schönen Blumfeld-Liedern wie Tausend Tränen Tief.
Nach Nick Lowes Denkerballade schwadronierte Distelmeyer gewitzt von Lowes Rolle in der Londoner Pubrock-Szene in den Jahren vor Punk und rühmte die Verdienste der schärfsten aller englischen Pubrock-Bands, nämlich Dr. Feelgood. „Und vom Vornamen des Dr. Feelgood-Gitarristen hat die Band, von der wir gleich einen Song spielen, ihren Namen: Wilco. Wisst ihr vielleicht, wie der Gitarrist der Pubrock-Band heißt?“ „Natürlich“, schrie ich Richtung Bühne. „Wilko Johnson!“ Distelmeyer kringelte sich amüsiert: „Das gibt es nicht! Das hat auf dieser Tournee noch niemand gewusst!” Jetzt schon.
Nach den Zugabenersuchte ich den jungen Security-Mann vor der Rockhouse-Garderobe, er möge doch bitte nachfragen, ob Jochen Distelmeyer nicht vielleicht mein Exemplar von Otis für mich signieren möchte. Ein paar Minuten später war Distelmeyer da, fragte nach meinem Namen und einem speziellen Wunsch für die Signatur: „Äh, vielleicht etwas mit Wilko Johnson?“ „Du warst das?“, fragte er amüsiert. „Ja, das war ich.“ Also er schrieb mir Folgendes in sein Buch: Hey Klaus! Wilco J! – X – Jochen Distelmeyer – 25.5.2016. Dass man Wilko Johnson eigentlich mit K schreibt und die amerikanische Indie-Rock-Band Wilco mit C, spielt jetzt keine Rolle.
Im Frühjahr 2010 feierte Mick Hucknall mit Simply Red das 25-Jahre-Jubiläum der ersten Hitsingle Money’s Too Tight (To Mention). Das Jubiläum feierte die englische Soul-Pop-Band, deren einziger Fixstern Mick Hucknall ist, schon 2008 mit einem Greatest-Hits-Album und einer bis 2010 laufenden Welttournee. Im Interview erläuterte der Sänger, warum für ihn der lange Abschied von Simply Red begonnen hat. Doch nach dem zweiten Soloalbum American Soul (2012) wurden mit Big Love (2015) und Blue Eyed Soul (2019) zwei weitere Studioalben von Simply Red veröffentlicht, und das Ende von Simply Red lässt wohl noch länger auf sich warten. Die für 2020 geplante Blue Eyed Soul-Tournee von Simply Red fiel der Corona-Pandemie zum Opfer und ist inzwischen auf November/Dezember 2022 verlegt worden.
Klaus Winninger: Hallo, Klaus Winninger am Telefon.
Mick Hucknall: Hier ist Mick.
KW: Danke, dass Sie anrufen.
Mick Hucknall: Ist mir ein Vergnügen.
KW: Super.Was würde der junge Mick Hucknall, der 1976 die Sex Pistols in Manchester in der Free Trade Hall gesehen hat und daraufhin die Indie-Pop-Band The Frantic Elevators gründete, über den Mick Hucknall von heute denken?
Mick Hucknall: Ich weiß nicht, ob er den Mick Hucknall von heute sonderlich mögen würde. Vielleicht würde er sagen, der Mann ist zu reich, zu dick, zu kultiviert. Das wäre gut möglich. Aber er könnte auch denken, dieser Mick Hucknall hat erstaunliche Dinge vollbracht, er führt ein herrliches Leben, und er hat das Glück, großartige Menschen um sich herum zu haben.
KW: Und wie würden Sie dem jungen Mick erklären, wie das alles gekommen ist?
Mick Hucknall: Ich würde ihm mit großem Stolz erzählen, wie fantastisch sich alles entwickelt hat, und welch wunderbare Erfahrung mein Leben bisher gewesen ist.
KW: Haben Sie sich schon einmal gedacht, dass Sie das Leben zu sehr verwöhnt?
Mick Hucknall: Nein, denn ich bemühe mich sorgsam, die Kunst des Lebens zu lernen. Ich glaube fest daran, dass man sein Leben gut leben muss. Aber man braucht kein Millionär zu sein, um ein gutes Leben führen zu können.
KW: Sie haben mit Tribute To Bobby ein erstes Soloalbum veröffentlicht, auf dem Sie Lieder des legendären amerikanischen Soul-Sängers Bobby „Blue“ Bland interpretieren. In den Linernotes schreiben Sie, dass Sie ein Sklave des Pop-Erfolges waren. Wie soll man das verstehen?
Mick Hucknall: Habe ich das wirklich gesagt? Ich bin mir nicht sicher. Aber in gewisser Hinsicht ist diese Aussage wahr. Das hat mit der Geschichte und dem Erfolg von Simply Red zu tun. Wenn ich heute eine neue Platte mache, dann erwarten die Radiosender und viele Fans, dass diese Platte nach einem bestimmten Muster klingt. Das schränkt ein. Doch ich will mich weiterentwickeln und meinen Stil erweitern. Und das ist schwer möglich im Rahmen von Simply Red.
KW: Sie haben mit Tribute To Bobby ein erstes Soloalbum veröffentlicht, auf dem Sie Lieder des legendären amerikanischen Soul-Sängers Bobby „Blue“ Bland interpretieren. In den Linernotes schreiben Sie, dass Sie ein Sklave des Pop-Erfolges waren. Wie soll man das verstehen?
Mick Hucknall: Habe ich das wirklich gesagt? Ich bin mir nicht sicher. Aber in gewisser Hinsicht ist diese Aussage wahr. Das hat mit der Geschichte und dem Erfolg von Simply Red zu tun. Wenn ich heute eine neue Platte mache, dann erwarten die Radiosender und viele Fans, dass diese Platte nach einem bestimmten Muster klingt. Das schränkt ein. Doch ich will mich weiterentwickeln und meinen Stil erweitern. Und das ist schwer möglich im Rahmen von Simply Red.
KW: Wirkt Tribute To Bobby deswegen so frisch und energiegeladen? Eine tolle Platte.
Mick Hucknall: Danke, es freut mich, dass Sie die Platte schätzen. Das ist die Richtung, in die ich in Zukunft gehen will. Da ist ein großer Unterschied zum traditionellen Sound von Simply Red.
Mick Hucknall: Ich verstehe nicht, dass immer wieder gesagt wird, dass ich Simply Red auflösen will. Journalisten verwenden gerne diese Phrase – aber ich muss mich dagegen verwehren. Die britische Presse ist fürchterlich. Es ist doch gar nicht möglich, dass ich Simply Red auflöse. Ich bin bei Simply Red der Hauptsongschreiber und der verantwortliche Produzent der Musik, wie kann ich mich also von mir selbst trennen? Das ist doch verrückt. Es geht allein um eine Änderung des musikalischen Stils und um nichts anderes. Aber ich kann diese Änderung nicht unter dem Bandnamen Simply Red machen.
KW: War das Tribute To Bobby-Album die erste Phase dieser musikalischen Veränderung?
Mick Hucknall: Der erste Schritt war schon die zweite Hälfte von Stay, dem letzten Studioalbum von Simply Red. Wenn man genau zuhört, merkt man, dass sich nach dem 5. Song der Sound deutlich verändert. Mein Manager sagte damals, dass diese Songs schon wie ein Soloalbum klingen und nicht mehr wie Simply Red. Da wurde mir bewusst, dass ich mich unbedingt weiter verändern will.
KW: Jetzt steht aber noch einmal Simply Red auf Ihrem Plan. Mit dem neuen Best-Of-Album und einer ausgedehnten Welttournee bis zum Jahr 2010. Warum nicht sofort die Solokarriere? Weil Sie nun endlich die Rechte an Ihren alten Songs haben?
Mick Hucknall: Ja, ich besitze jetzt alle Rechte an meinen Songs. Aber der Punkt ist ein anderer: Von den 25 Liedern auf Simply Red 25sind nur 12 auf unserer ersten Best-Of-Platte 1996 gewesen. Selbst wenn also jemand die erste Best-Of-Sammlung besitzt, bekommt er zwölf weitere Songs, die ebenfalls Hits waren, und eine brandneue Aufnahme noch dazu.
KW: Ist es nicht ein gutes Gefühl, die Rechte an all Ihren Songs zu besitzen?
Mick Hucknall: Absolut, das ist großartig. Ich hätte das gerne schon 1997, 1998 so gehabt. Deshalb habe ich mit meiner alten Plattenfirma seit 1999 eine Art stillen Krieg geführt. Und ich sehe es mit großer Befriedigung, dass wir mitgeholfen haben, eine Veränderung in der britischen Musikindustrie herbeizuführen. Die großen Plattenfirmen pochen heute nicht mehr so sehr darauf, dass sie die Rechte an den Originalaufnahmen besitzen, so wie sie das noch getan haben, als ich meinen ersten Plattenvertrag im Jahr 1985 unterschrieben habe. Und wir haben unseren Anteil daran, dass sich das geändert hat. Als sich jetzt Radiohead, Robbie Williams und andere Künstler zu einer Union gegen die großen Plattenfirmen zusammen getan haben, um mehr Rechte zu bekommen, dachte ich mir nur: Warum jetzt? Dieser Kampf ist doch schon gewonnen. Es ist vorbei. Ein neuer Künstler kann heute kommen und aus einer viel stärkeren Position heraus verhandeln, was das Copyright für seine Musik anlangt, als das früher möglich war.
KW: Aber für Sie war es ein harter Kampf?
Mick Hucknall: Wir mussten mit dem Kopf durch die Wand, wir mussten gegen alles ankämpfen. Die Plattenfirmen waren unglaublich mächtig. Wir aber kamen als kleine Indie-Band daher. 1999 habe ich in Interviews gesagt, dass unser Plattenvertrag unmoralisch war und bin dagegen aufgetreten. Das hat mir in den Medien viel Kritik und viele Probleme mit den Plattenfirmen beschert.
KW: Spielt es bei Ihren Plänen eine Rolle, dass neben dem Simply-Red-Jubiläum Sie selbst 2010 ihren 50. Geburtstag feiern?
Mick Hucknall: Ach, das ist bloß eine Zahl. Nur ein weiterer Grund, ein großes Fest zu feiern.
KW: Sie gelten als einer der besten weißen Soul- und Pop-Sänger. Wie sehen Sie sich selbst als Sänger? Was macht einen guten Sänger aus?
Mick Hucknall: Eine der schönsten Facetten der Musik ist, dass sie etwas völlig Subjektives ist. Viele verschiedene Menschen können ganz verschiedene Sachen mögen und davon fest überzeugt sein. Aber es ist natürlich eine große Ehre für mich, wenn man freundlicherweise so positiv über mich als Sänger denkt. Alles, was ich als Sänger versuche, ist eine Geschichte zu erzählen, wenn ich ein Lied singe. Ich versuche, die Melodie gut zu erfassen und dabei beim Singen nicht zu übertreiben. Ich mag die aktuelle Mode unter Sängerinnen nicht, wenn sie mit ihrer Stimme allzu sehr brillieren möchten und viel mehr Töne und Phrasen singen als notwendig wäre. Ich glaube, diese Unart hat mit Whitney Houston begonnen. Dann kam Mariah Carey. Und jetzt haben wir Leona Lewis. Dieser Stil ist nicht der meine, mag er auch noch so populär und erfolgreich sein. Mich haben Sänger, wie John Lennon, Frank Sinatra beeinflusst, Marvin Gaye, Otis Redding. Wenn man ihre Musik hört, glaubt man zu fühlen, dass sie nur für einen allein singen. Du spürst, dass sie dir in ihrem Lied eine Geschichte erzählen wollen.
KW: Sind Sie als Sänger mal in Gefahr, wegen Ihrer schönen Stimme eitel zu werden?
Mick Hucknall: Sich auf seine Stimme etwas einzubilden und eitel zu sein, bringt einen nicht weiter als Sänger. Ich will als Sänger auf einer direkten Linie von einem Punkt A zu einem Punkt B kommen. Eitelkeit stellt sich mir beim Singen nie in den Weg, ich bin als Sänger kein Angeber. Ich könnte locker mehr Noten singen und höhere Töne in einem Song, aber würde das etwas bringen?
KW: Sind Sie ein religiöser oder spiritueller Mensch? Ist es für einen Sänger wesentlich, eine spirituelle Ader zu haben?
Mick Hucknall: Ich brauche das nicht. Ich schreibe Songs. Ich bekomme meine ganze Spiritualität aus meinem Leben, durch das Schaffen von Melodien, die eine Verbindung zu anderen Menschen herstellen. Ich bin nicht auf heidnischen Glauben angewiesen.
KW: Sie gelten in erster Linie als großartiger Sänger. Wurmt es Sie, dass Ihre Arbeit als Songschreiber vielleicht weniger gewürdigt wird?
Mick Hucknall: Das stimmt nur zum Teil. Ich bin in England als Songschreiber schon mit drei Ivor Novello Awards ausgezeichnet worden. Das ist die höchste britische Auszeichnung für Songschreiber, die von den Songschreibern selbst vergeben wird. Das hat mich sehr glücklich gemacht, denn es kann dir keine größere Anerkennung widerfahren, als einen Preis von deinen Kollegen zu bekommen.
KW: Haben Sie noch Ambitionen als Songschreiber? Sowohl die Songs auf Tribute To Bobby, als auch Go Now, die neue Single von Simply Red, sind Coverversionen.
Mick Hucknall: Ich habe noch viel vor, das dürfen Sie mir glauben. Go Now haben wir schnell in drei, vier Tagen aufgenommen, damit wir auch ein neues Stück auf der Best-Of-Platte haben.
KW: Gibt es an diesem Punkt Ihres Lebens noch etwas, das Ihnen fehlt?
Mick Hucknall: Ja, ich wäre gerne ein guter Golfspieler. (Lacht) Als junger Mann wäre ich gerne ein guter Fußballer gewesen, aber dafür bin ich heute zu alt, obwohl ich immer noch recht flott spiele. Mit meinen 48 Jahren würde es mir schon reichen, ein guter Golfer zu sein.
KW: Und die Musik? Wie wichtig ist diese für Sie in Ihrem Leben?
Mick Hucknall: Ich lebe die Musik. Die Musik und meine Familie sind das Wichtigste in meinem Leben.
KW: Haben Sie schon konkrete Pläne für die Zeit nach 2010, wenn Simply Red vorbei ist?
Mick Hucknall: Ich kann daran nicht einmal denken. Ich bin viel zu beschäftigt und muss mich um das kümmern, was alles direkt vor mir liegt. Ich konzentriere mich erst einmal auf die Tournee mit Simply Red, die eineinhalb Jahre dauern wird. Alles andere muss warten.
KW: Danke für das Gespräch.
Mick Hucknall: Gerne. War super, mit Ihnen zu reden.
Simply Red, 25: The Greatest Hits, simplyred.com ltd, 2008
(Veröffentlicht in: now! N° 73, November 2008, überarbeitet im Juni 2021)
Paul Wellers Aufnahmen für das BBC-Radio im aufwändigen 4-CD-Pack.
Zum Abschluss des Jahres seines 50. Geburtstags genehmigte sich Paul Weller diese opulente Sammlung seiner Aufnahmen für die BBC, nicht weniger als 74 Stücke aus den Jahren 1991 bis 2008, darunter einige Songs mehrfach vertreten, auf vier CDs. Auf den ersten beiden Scheiben finden sich Live-im-Studio-Aufnahmen für diverse Radio-Shows der BBC, die beiden anderen Discs bringen Live-Konzerte, die für eine BBC-Ausstrahlung mitgeschnitten wurden.
At The BBC eröffnet mit einer packenden Version von Fly On The Wall, die der Modfather allein auf der Akustikgitarre spielt. Dann wechseln akustische Soloauftritte mit elektrischen Band-Aufnahmen ab. Neben alternativen Fassungen bekannter Songs von Wellers Soloplatten (Wild Wood, Push It Along), aber auch von seinen früheren Bands The Jam (That’s Entertainment) und The Style Council (My Ever Changing Moods), hört man auch Novitäten: Coverversionen wie The Poacher (von Ronnie Lane, dem verstorbenen Bassisten der Small Faces,) Pretty Flamingo (von Manfred Mann), Hercules (Aaron Neville) und What’s Going On (Marvin Gaye) oder Just Like Yesterday, ein souliges Weller-Original, das gut auf sein selbstbetiteltes 1992er Solodebüt gepasst hätte, es jedoch nie auf ein Album schaffte, in den frühen Neunzigern vom Meister aber gern live gespielt wurde.
Das 1991er BBC-Konzert mit dem neuen Paul Weller Movement im Londoner Town & Country Club und die 1993er Live-Aufnahmen von der Royal Albert Hall mit My Ever Changing Moods, Speak Like A Child und Kosmos, Above The Clouds, Into Tomorrow und Head Start For Happiness verdeutlichen die Transformation vom aufgelösten Style Council zum Solokünstler Paul Weller und dessen unstillbare, musikalische Leidenschaft und seinen Mut zu musikalischer Veränderung und kreativem Risiko. Spätere Live-Tracks aus dem Londoner Finsbury Park von 1996 wie Sunflower und Broken Stones unterstreichen das.
At The BBC ist eine hochwertige Kollektion, die nicht wie viele ähnlich gelagerte Compilations im Regal verstaubt. Auf den üblichen Musik-Streaming-Plattenformen ist At The BBC nicht zu finden. Das tolle Booklet (designt von Simon Halfon, Liner Notes von Lois Wilson) naturgemäß auch nicht.
Paul Weller At The BBC,Island Records, 2008
(Veröffentlicht in: now!, N° 74, 12/2008-01/2009, komplett überarbeitet im August 2020)
Der afroamerikanische Sänger, Songschreiber, Multiinstrumentalist Van Hunt hat mit seinem Debütalbum eine der besten Modern Soul Platten im neuen Jahrtausend produziert.
Gute Zeiten für neuen, modernen Soul. Und damit ist nicht das klischeeverklebte Porno-Gestöhne gemeint, das die amerikanischen Charts, TV- und Internet-Musik-Kanäle dominiert. Die Rede ist vom Modern Soul, vom Autoren-Soul, wie man ihn in den 1990ern von Größen wie D’Angelo, Maxwell, Rahsaan Patterson, Erykah Badu, Adriana Evans oder Angie Stone hören konnte.
Jüngst haben sich Könner wie Alicia Keys, Cody Chesnutt oder Frank McComb mit Bravour gegen die Silikon-Autotune-R’n’B-Phalanx gestemmt, jetzt erscheint Van Hunt auf der Spielfläche. Praktisch ein No-name – bis jetzt. Van Hunt ist ein 34-jähriger Afroamerikaner, der geboren in Dayton, Ohio, von der Mutter groß gezogen wurde. Der Vater war Teilzeit-Maler und Vollzeit-Nie-da. Van Hunt lebt heute in Atlanta, Georgia, der vibrierenden schwarzen Musik-Metropole im Süden der USA – die Basis auch von Outkast oder Public Enemy-Frontmann Chuck D.
Van Hunt spielt auf seinem selbstbetitelten Debütalbum alle möglichen Instrumente, in erster Linie Gitarre und Keyboards, ist Sänger, Songschreiber und Produzent in Personalunion. Ihn deswegen mit Lenny Kravitz zu vergleichen, wäre fehl am Platz, Assoziationen zu Prince sind eher angebracht. Erstmals offiziell aufgetaucht ist Van Hunt 1997, als er Dionne Farris’ Hit Hopeless geschrieben hat, seither hat er auch im Hintergrund für Alicia Keys oder Rahsaan Patterson gearbeitet.
Schon die ersten beiden Songs, mit denen Van Hunts Debüt losgeht, sind grandios. Dass er das Niveau in den weiteren Songs mit großer melodiöser und groove-technischer Finesse zu halten vermag, macht Van Hunt subito zu einem Modern-Soul-Klassiker. Der Auftakt Dust besticht durch eine funky scheppernde Rhythmusgitarre, waidwunde Blues-Gitarrenlicks und einen hinreißenden Refrain, den Van Hunt mit butterweicher Falsettstimme singt. Man möchte meinen, dass sich gleich der Himmel glückselig öffnet, dabei hat Van Hunt direkt vorm Refrain mit paradoxer Leichtigkeit noch die Zeilen „I’m already insane / I’m already in pain“ gesungen. Das folgende Seconds of Pleasure startet als dreckiger Bluesrock, um sich zu einem unwiderstehlichen Seelen-Schmeichler auszuwachsen, der nicht bloß Sekunden, sondern gleich fünf Minuten lang paradiesische Genüsse gewährt.
Wie praktisch immer im guten Modern Soul dominieren auch bei Van Hunt die Vibes und Grooves der 1960er und 1970er Jahre. Und auch die üblichen Verdächtigen stehen ihm Pate: Marvin Gaye, Curtis Mayfield, Sly Stone, Donny Hathaway, Stevie Wonder. Dazu kommen noch andere, weniger offensichtliche Bezugskoordinaten in seinem Sound-Universum: die Jazz-Arrangements von Duke Ellington, die Bluesgitarren von Muddy Waters und Jimi Hendrix. Wohlgemerkt lässt sich Van Hunt von allen genannten Granden nur inspirieren, er ist kein Kopist und Retro-Gaukler, er ist ein Original, ein erstklassiger Songschreiber und Arrangeur.
Es gibt zwei zeitgenössische Soul-Künstler, die sich als Referenz aufdrängen: Zum einen natürlich Prince – in seinen besten Jahren. Zum anderen D’Angelo – im direkten Vergleich scheint mir Van Hunt aber der bessere Songschreiber und auch bessere Sänger als D’Angelo zu sein. Sein Stimmspektrum reicht mühelos vom zart-süßen Falsett bis zu rauen, tiefen Lagen. Die zwölf Songs auf seinem Debütalbum haben alle Substanz, Seele, verführerische Melodien, mitreißende Grooves im Überfluss. In Hello, Goodbye, Down Here In Hell (With You), Anything (To Get Your Attention) oder Highlights breitet Van Hunt traumwandlerisch sicher über einem minimalen funky Groove alles aus, was ihm grad mal ins Konzept passt: psychedelische Gitarren, verschachtelte Vokalharmonien, süffige Keyboards, fein geschmiedete Bläsersätze, opulente Streicher.
Und erst die Balladen: In What Can I Say gibt Van Hunt den besten Sting, den Sting sich nur wünschen kann, also schön soulful und super sanft. In Precious und Who Will Love In Me Winter schmachtet er die berückend romantischen Melodien wie Prince. Angestrengt oder irgendwie bemüht, wirkt bei Van Hunt rein gar nichts. Alles klingt wie locker aus dem Ärmel geschüttelt. Auch das abschließende Out Of The Sky, das seinen fiebrigen Groove von Sly Stones Running Away borgt und der Seele quasi Flügel verleiht. Geniale Scheibe.
Van Hunt Van Hunt, Capitol Records, 2004
(Album des Monats in now! N° 29, Juni 2004, komplett überarbeitet im März 2020)
Das Pop-Debüt von 2008. Ein famoses Album, und der grandios groovende Hit Mercy erst recht eine Klasse für sich.
Aimee Ann Duffy ist tatsächlich eine Entdeckung. Auch wenn sie in Wahrheit weder eine neue Amy Winehouse ist noch eine moderne Kopie von Dusty Springfield, der britischen Queen of Soul der 1960er, wie viele behaupten. Duffy ist keine Kopie und wohl auch keine leicht manipulierbare Marionette irgendwelcher Plattenfirmenmanager, selbst wenn sie bei einem Waliser TV-Wettsingen entdeckt wurde. Mag ihre schick blondierte Sixties-Mähne noch so perfekt gestylt sein, Duffy scheint mir echt. Sie schwadroniert in Interviews auch nicht so wenig glaubwürdig herum wie Joss Stone, die schon vor ein paar Jahren als neue britische Soul-Hoffnung gehandelt wurde und allen weismachen wollte, sie hätte schon in der Krabbelstube keine andere Musik gehört als das Greatest Hits-Album von Aretha Franklin, der Queen of Soul der 1960er, 1970er und immer noch.
Duffy sagt ehrlich, dass sie, bis sie 19 Jahre alt war, nicht einmal wusste, wer diese Aretha Franklin überhaupt ist. Sie verschweigt auch nicht, dass ihr erst so spät die Welt des Soul nähergebracht wurde: von ihrer Mentorin und Managerin Jeanette Lee vom coolen englischen Alternative-Plattenlabel Rough Trade und ihrem Produzenten Bernard Butler (früher mal bei Suede, dann McAlmont & Butler). Sie begeisterten Duffy für die alten Scheiben von Atlantic Records, Stax und Motown. Sie spielten ihr die Songs von Aretha Franklin, Otis Redding und Marvin Gaye vor, von Al Green und Candi Staton. Und ich möchte wetten, auch ein paar Songs von Carmel, einer englischen Soul-Chanteuse, die in den frühen 1980er Jahren während der Neo-Soul-Jazz-Welle ein paar feine Hits landete.
Duffys vielleicht nicht so variable, aber unverwechselbare, markante Stimme klingt kaum einmal nach dem samtweichen, rauchigen Gesang von Dusty Springfield. Duffy hat weit mehr mit der vibrierenden, energiegeladenen Stimme von Aretha Franklin gemein und dem unter die Haut gehenden, expressiven Vibrato von Carmel. Sie geht aber auch in Richtung der leidenschaftlichen Phrasierungen von Candi Staton, einer Soul-Ikone der späten 1960er. Duffy brilliert mit ihrem Soul-Vibrato in den von ihr gemeinsam mit Bernard Butler und anderen Könnern geschriebenen Songs. Welche Butler als Produzent meist aufwändig und opulent im klassischen Soul-Sound der 1960er und 1970er inszeniert.
Egal, ob es sich um eine raffinierte, komplexe Komposition handelt wie beim famosen Titelsong, der Rockferry mutig und voll Selbstvertrauen eröffnet oder um eine bloß zur Gitarre geschmachteten Ballade wie Syrup & Honey – Duffy erfüllt mit ihrer kräftigen Stimme alle Songs bravourös mit Leben und Gefühl. Richtig schön auch: das bezaubernde Warwick Avenue oder die schwelgenden Balladen Serious und Distant Dreamer. Die Hitsingle Mercy, ein hinreißend groovender Northern Soul Stomper, ist erst recht eine Klasse für sich. Das Pop-Debüt des Jahres? Ja.
In meiner Plattensammlung als Vinyl-LP und als Limited Edition Doppel-CD. Die zweite CD mit sieben weiteren superben Tracks eine Entdeckung, dem originalen Rockferry Album ebenbürtig, phänomenal: das herrlich rauschende Raining On Your Parade, der Dancefloor-Groover Stop, die zauberhafte Gitarrenballade Oh Boy, das cool tänzelnde Breaking My Own Heart und die Liebesschmerzballade Please Stay. Klasse Soul-Stoff alles. Duffy kann echt was.
DuffyRockferry, Polydor, 2008
(Album des Monats in now! N° 67, April 2008; Text komplett überarbeitet im Februar 2020)
The singer and the poet are searching both for the magic of the Wurlitzer jukebox.
Maybe I’ve never mentioned here that I am a big, big fan of Paul Heaton. Well, I’m doing it now. Paul Heaton is great. He’s a wonderful, a heart-warming, heart wrenching singer and songwriter who has an exuberant ear for melody and in his lyrics a keen eye and a dazzling wit. They say he’s been a notorious pub fly too, maybe he isn’t anymore. Paul Heaton showed his marvelous skills from 1983 on with The Housemartins, The Beautiful South, likewise solo and as a duo with Jacqui Abbott, who was the female vocalist in The Beautiful South from 1994 to 2000, when Abbott quit. But she sang in 2011 in the musical 8th , that Heaton staged in Manchester. In 2013 Heaton and Abbott reunited and recorded three albums since, a fourth one called Manchester Calling will be released on 6 March 2020.
While listening to Paul Heaton’s wondrous compilation The Last King Of Pop – the title shows his kind of dead pan humour and it compiles songs from all parts of his career – I discovered his and Jacqui Abbott’s fantastic song 7” Singles. I think it’s search for the magic of the Wurlitzer Jukebox and the 7” inch singles it’s playing is at least on par with Peter Handke’s superb novel The Essay on the Jukebox (Versuch über die Jukebox) from 1990. No mean feat, as the famous Austrian author got the Nobel prize for Literature in 2019.
There you go. Here are the brilliant lyrics from 7” Singles in complete:
We got the seven inch single, the long playing album / Burn the twelve inch disco mix / Just put it on the jukebox, grab yourself a lager / See what the needle predicts
We had the country and western, a dodgy little section / With Jerry Lee Lewis and gang / “From A Jack To A King” to secure prison wing / But still the whole tavern, they sang
Dolly Parton was queen / Billy Joel the boss / We were uptown, downtown, little bit of Motown / With Marvin Gaye and Diana Ross
All the punters would sing / And you’d be joining in too / “Red Red Wine”, “Everybody Hurts” / And “Don’t It Make Your Brown Eyes Blue”
So barman, don’t be a tease / Now we’re down on our knees / Plug that Wurlitzer back in /
For the hes and the shes
Well, were begging you, please / For The Peters and Lees / Stick another fifty P in / And make it out and out cheese
Then there were the tightwads, going to the jukebox / Put in solitary 5p / Worked out the Pink Floyd / Anything by Meatloaf / Was longer than your 10cc
Arguing the B side’s better than the A side / Denying one you actually put on / Pretending that you hate it, you don’t even rate it / But catch yourself singing along
Neil Diamond was king / Elton John number one / It was a working-class hymn, but the one congregation / The Church really wished had been gone
We sang „Give Peace a Chance“ / With Yoko Ono and John / „Saturday Night’s Alright For Fighting“ / And „Where Have All The Boot Boys Gone“
So barman, don’t be a tease / Now we’re down on our knees / Plug that Wurlitzer back in /
For the hes and the shes
Well, we’re begging you, please / For the Peters and Lees / Stick another 50p in /
And make it out and out cheese
So barman, don’t be a tease / Now we’re down on our knees / Plug that Wurlitzer back in /
For the hes and the shes
Well, we’re begging you, please / For the Peters and Lees / Stick another 50p in /
And make it out and out cheese
Before his big success as solo artist Paul Young was the singer in the terrific British soul pop band The Q-Tips.
Q-Tips, the sole studio LP from the British soul-pop band The Q-Tips featuring as singer a certain Paul Young was released in 1980. Belting out soul classics like Some Kind of Wonderful, Tracks of My Tears or The In Crowd and some worthy self-written tracks by various band members, Paul Young sets a first signpost of his class, style & soulfulness. He’s proving what a fine blue eyed soul singer he is.
The Q-Tips knew how to play their rousing kind of soul very well. When punk and new wave were the hot new shit in town, The Q-Tips definitely were not regarded as cool or hip, because they played a more traditional, but rousing soul. Dynamic and sharp, with a high-octane horn section like The Memphis Horns (of Stax Records fame) or their more avantgarde contemporaries, the Dexys Midnight Runners.
The album’s crispy, electrifying sound was produced by Bob Sargeant, always a progressive spirit in the 1970s and 1980s UK music scene, who also was at the helm of Haircut One Hundred’s fab 1982 LP Pelican West and many John Peel radio sessions for the BBC. No wonder Q-Tips still sounds quite fresh and exciting today.
But the Q-Tips broke up, when Paul Young signed a solo contract with CBS, becoming successful as solo artist soon. With his strong solo album debut No Parlez from 1983 and the subsequent LP The Secret of Association (1985), which are still both in my record collection. Young turned into a teen idol and big pop star and played also playing at Live Aid in July 1985. He scored many fine international chart hits: Wherever I Lay My Hat (That’s My Home) – a superb Marvin Gaye cover; Love of the Common People – a poppy update of an old Jamaican reggae hit and now a pop classic in its own right just like Wherever I Lay My Hat; Come Back and Stay – a mighty power pop stomper; Every Time You Go Away – a soothing modern soul track written by Daryll Hall & John Oates; Senza Una Donna (Without A Woman) – an emotive duet with the Italian blues rock singer Zucchero.
All these hits mostly sound do production-wise very 1980s – not always to their benefit, when you’re hearing them now. They are collected together with some fine surprises like the superb cover of Joni Mitchell’s Both Sides Now or the beautiful, touching version of the Crowded House hit Don’t Dream It’s Over are collected on the only Paul Young CD in my collection: From Time to Time – The Singles Collection, released in 1991 and topping the UK albums charts just like No Parlez and The Secret of Association did before.
My Albums, Songs, EPs, Concerts, Movies & Books of the Year. As always ranked radically subjective, without any compromise or sense of guilt, just a sense of delight.
> My Favourite Albums of 2019:
> My Top 10:
Bruce Springsteen: Western Stars / Western Stars – Songs from the Film
Bilderbuch: Vernissage My Heart /Mea Culpa(12/2018)
Klaus Winningers Beat 